8月25日下午，“原创·融合·赋能”2026流行音乐深度对话举行，业内从业者、企业代表、音乐人等聚焦“原创音乐破局之路”“‘音乐+’超级IP打造”“AI赋能创作”“音乐人才孵化”四大议题，共同探讨流行音乐发展新路径。
主题研讨1
深耕在地 真诚破局
原创音乐突围“出海”
首场对话以“原创音乐的变局与破局，新战场在哪里？”为主题，与会音乐人围绕创作、流量、AI、出海及广东流行音乐发展等议题展开深度探讨。
说唱歌手、《大展鸿图》创作者揽佬（陈序垲）坦承“走红有运气的因素”，“我只是把想做的东西弄出来，再加上运气的加持”，并直言“如果没有流媒体，大家根本不可能看见我”。因而他鼓励音乐人“一定要用尽全力利用好身边的流媒体资源”。他也强调作品必须具备穿透力，谈及《中国人会飞》的创作，他认为在AI盛行的年代，歌曲或因概念抽象，为听众提供了许多二创灵感，又反过来助推了热度。
“一部文艺作品最重要的特质，是能否打动人心。”一级词曲作家、资深音乐制作人吴颂今分享道。他今年6月初在观看电影《给阿嬷的情书》后，深受触动，迅速创作出歌颂侨批文化的歌曲《深深的侨批情》。作品起初是国语版，随后又衍生出潮语、粤语、泰语、英语等语种版本。
吴颂今感慨，从事创作几十年，从未为一首歌写几个不同语种版本，而各版本上线后均受到听众广泛欢迎。“起初以为泰语版受众窄，后来很多国内听众都说好听、感动。”吴颂今说，创作就是为听歌的人服务，“创作者发自内心写最触动自己的情感，这样作品才能受到大众喜爱。”
春山音乐主理人、词曲作者张超扎根贵州创作十余年，团队常年深入贵州少数民族村寨采风，从田间地头汲取灵感，创作了《上春山》《奢香夫人》等具有民族风的歌曲。“好歌都是从地里长出来的。”张超认为，创作者生活在哪里，就应该扎根这块土地，吸纳这里的风土人情，好好地创作，才能开出最具地域特色的花。
著名音乐人、作词人崔轼玄认为，创作者要“比时代更往前走一步，去创造流行语”。谈及AI与创作，他认为“破局很重要”，“如果音乐人都不破局的话，跟AI也没区别，因为AI就是根据大数据去形成新作品，其实并没有突破”。他呼吁创作者“走出舒适圈”，跟不同的人合作，用新的语言完成作品，天马行空去想象，才能让行业更有创意。
腾讯音乐娱乐集团内容合作部高级总监郭修非从平台视角指出，一首好作品“一定在当下抓住了一些听众的共鸣感，才能有极大的传播”。他分享道，从腾讯音乐平台用户数据和活跃度来看，大湾区是音乐产业的重中之重。“大湾区流行音乐具有鲜明的在地特色，除国语歌曲外，粤语作品及港乐也有巨大发展空间。”他介绍，腾讯音乐近期已启动围绕粤语内容的专项企划，希望助推大湾区音乐生态更加多元发展。
酷狗文化出海业务负责人罗旭红分享了华语音乐出海的观察：“华语音乐在海外能得到的机会比5年前、10年前好太多了，影响力在极大提升。”她援引Meta发布的一项2023年文化趋势报告指出，华语音乐在Instagram上的话题增长度达1600%，“这印证了我们出海的实际感受，海外的流媒体、社交平台，都不时有中文热歌”。在选歌策略上，她强调“旋律先行”，“再用当地的表达，传递作品内核，达到跨文化的共鸣”，并鼓励从业者“出海的路一定会越走越宽”。
主题研讨2
从游戏到村超
音乐为不同场景“画像”
第二场对话以“跨界融合：打造‘音乐+’超级IP”为主题，多位作曲家、制作人围绕音乐与游戏、影视、文旅、版权等赛道的融合展开探讨。
中国游戏音频设计师、音乐制作人、8082Audio创始人李佳骐指出游戏音乐与独立创作的本质区别：“不管是游戏还是影视，音乐只是其中的一部分，我们追求的是通过音乐，让这项综合艺术实现更好的效果。”他举例，电影音乐应该辅助画面、故事情节的呈现，“所以创作者需调整主观审美，把自己放在电影作品里进行更整体的思考，让观众获得更沉浸的体验”。
华语新生代音乐制作人江存潇以理科生的思维，将音乐创作归纳为不同范式：现场音乐“强调戏剧性或听感冲击”，“可能会牺牲一点作品的完整性”；专辑则是“平衡的艺术品”，“要让听众今天爱听，明天还爱听，后天更爱听”。他幽默提出“艺术家”与“工程师”的概念，当艺术家面对不同领域的需求方时，需化身工程师，用音乐技能、理性思考去帮助对方解决问题。
在对话中，资深音乐版权人、正在登陆创始人燕小咖围绕IP项目的跨界合作分享了专业观察。她指出，一个音乐IP要实现破圈，需要创作、制作、传播三个环节的共同发力。在创作端，“把专业的事交给专业的人”尤为重要，版权方会在客户需求与音乐人之间进行有效沟通，确保内容质量。在制作端，选对歌手是关键，“一个好的歌手，要能把歌曲诠释好，不一定要是最火的那个人”。她以《追光者》为例，演唱者岑宁儿并非流量顶级艺人，但声音与歌曲高度适配，恰恰保证了作品的水准。在传播端，则需要IP方、平台等各方共同投入。
对于版权保护，她提到：“版权不仅仅涉及价格，还有作品价值的守护。创作者在意的是作品有没有被好好对待，因此在处理改编翻唱等事务时，与原作者进行充分确认是必要的做法。”她总结道，产业正向发展的关键在于各个环节各司其职、利益公平分配，才能实现真正的共赢。
贵州省文联副主席、词作家孙红莺（笔名玉镯儿）分享了贵州“村”字号IP与音乐结合的运营经验。“贵州村超、村BA、村T这三大‘村’字号IP，拥有巨大的话题量，同时需要很多音乐内容来助力。”孙红莺介绍，贵州鼓励创作者根据不同活动内容，制作适配不同场景的歌曲版本，例如广场舞版本、苗迪版本等。同时，利用充满画面感的歌词在社交平台掀起二次传播，进一步延伸歌曲热度，也反过来扩大“村”字号IP的影响力。
作曲家、音乐制作人、TME制作人联盟成员亢竹青指出，如果创作者每天都在想“谁唱有流量”“这首歌能不能爆”，那作品根本无法写好，因为“能不能火”从来不是创作者在创作之初可以预测的，更不该成为创作的出发点。她认为，艺术不应被简单地对立为“曲高和寡”与“接地气”，而应回归到作品本身是否精致、精良、有品相，这才是艺术的底线。“创作的初心不应被流量裹挟，回归作品本身、保持对艺术的敬畏，才是持续产出好作品的前提。”
主题研讨3
当AI触碰创作边界
音乐人如何应对
第三场研讨以“AI赋能：拥抱前沿，重塑创作边界”为主题，引起了与会嘉宾的热议。对于AI赋能音乐创作及其带来的变革，深度参与其中的一线从业者们都有各自的感悟。
AI好用吗？火焰创造音乐集团创办人阿沁作为资深音乐人，笑称：“AI写歌比我慢。”尽管他是一个“很喜欢尝鲜的人”，任何新工具都会下载试用，但在实际操作中，AI创作平台Suno的使用者还在构思提示词时，他往往已经把歌写完了。
阿沁也提出了一个令人深思的观察，现在许多年轻人接触音乐创作的第一瞬间可能都是使用Suno，而不是吉他或钢琴。他颇感可惜：“我很遗憾，他已经不会自己通过哼唱，去创作出一段旋律。”在他看来，AI绝对不能替代人类喜欢音乐的美好感受，创作中最快乐的，或许并不是作出一首爆款歌，而是享受音乐、放声歌唱的那一刻。
中国传媒大学音乐与录音艺术学院副教授萧萍从教学实践出发，指出“人机协同的创作方式已然是一种新的常态了”。她介绍，中传三年前就启动“人工智能+”行动计划，通过“AI+专业”“AI+课程”等项目营造创新生态。
但她同时表示，今年的人才培养方案反而有了新的倾向，即要加强基础通识课的教育。“根要扎得住。”萧萍说：“学生应该是工具的驾驭者，而不是成为一个工具人。”
千亩稻田版权商务总监孙笑男则从版权方视角指出了AI带来的深层变革——词曲作品已从“消费端资产”转变为“训练端资产”。当AI训练解构了创作手法、创作逻辑，如何使词曲作者从中获得收益成了难题。
更棘手的是侵权认定。孙笑男解释，过去“洗盗蹭”容易观测和定义，但AI学习优秀的词曲作品后，又不停地进行高度模仿，最终输出的成品可能与原词曲完全不同，但是风格高度相似。“这会导致很多优秀的词曲作品在被AI进行模仿创作后，整个词曲版权价值在市场上其实是被稀释了。”孙笑男对此感到担忧。
腾讯音乐娱乐集团法务管理部、生态内容保护负责人林昭琪从法律角度梳理了三大争议点，一是训练语料阶段举证非常困难；二是生成物阶段难以判断AI生成物到底是一个作品还是制品；三是传播环节涉及词曲权、录音制作者权、声音权等多重侵权。“AI技术作为新质生产力，是可以跑得很快的，但是版权的底线也要守得住。”林昭琪说。
腾讯音乐娱乐集团曲库版权高级总监李玲玲用数据说明了AI对平台的冲击，去年每天入库不到10万首歌，如今达到16万首，AI歌曲占比约45%。为此，腾讯音乐还自研大模型，用于AI歌曲识别。
那么，应该如何看待AI带来的变革？
面对如此直白的提问，嘉宾们给出了辩证的回答。他们认为，创作规模的提升本身是产业繁荣的基础，但量的发展需要机制进行引导。如果追求即时流量，AI就会成为低质内容的“放大器”。未来的内容生态，还是会以一个金字塔形呈现，底座是海量泛娱乐内容，顶层是精专化内容。
萧萍表示，“1分钟生成音乐”只是技术门槛的降低，距离大众审美“还有好几步远”。她强调，尽管AI带来巨变，但始终不变的一点是，音乐是艺术，艺术就要有艺术价值。
主题研讨4
AI时代的音乐教育
标准变了吗
第四场研讨聚焦“教育赋能——AI时代的音乐人才孵化和培养探索”展开讨论。AI时代的到来，对音乐教育而言亦是全新考验。创作离不开人才，但AI时代到底需要怎样的音乐人才？又该如何培养？音乐产业各领域的嘉宾对此都有深入的思考。
当AI可以完成旋律、演唱、编曲时，音乐教育的基本功是否需要重新定义？星海音乐学院流行音乐学院院长刘罡认为，AI没有颠覆教学根基，却倒逼课程内容重构和课时再分配。“我们既要很大胆地去改革、去挑战，但是同时也要把步子走稳。”
“乐理、视唱练耳、和声仍是底线，学生必须保有独立思考能力，要区别于普通AI用户，能辨别AI输出的错误与套路，完成修改重构，学会驾驭AI工具。”在他看来，AI改变的只是创作的技术手段，但音乐的人文本质没有变。今天对流行音乐专业学生核心能力的要求，已从十年前的单一演唱、演奏，转向“词、曲、唱、编、录、混一体化”的复合型能力。
面对学生用AI修音或辅助创作，刘罡明确表态：“接纳并引导，但基本功不能松。”他比喻AI是“能力放大器”，学生脱离AI也必须具备独立完成作品的本事，“审美判断、情感表达和艺术构思才是创作核心”。他还强调，对接产业不等于盲从流量，高校要守住艺术教育底色，通过对比辨析课堂、行业专家评价和岭南粤语音乐教学，帮学生建立本土审美，避免照搬AI大数据模板。
内地资深音乐制作人、TME创作营导师闻震从产业端呼应了这一观点。他认为，在AI时代，音乐技能的培训不是变弱了，而是要更加加强。“未来的音乐人才应从‘音乐创作人才’升级为‘音乐决策者’，具备审美力、判断力和自我迭代能力。”他形象地解释，当AI时代来的时候，音乐人重要的不是能拿AI工具作出多少首歌，而是要有能力从100首歌里选出好歌。
邓澄作为一线词曲作者，分享了自己的工作方式：“词曲方面，我一直坚持纯人工手搓。”他认为，AI生成的作品“有很多瑕疵”，需要人类“进行选择、组合，不够的地方给它补足，不好的地方用人工的编曲把它编好”。
他以《嘉禾望岗》为例，说明AI无法替代的三样东西：一是“审美”，AI缺乏自我认知能力，它能做出很美、很绚烂的东西，但实际上它并不存在确切的认知；二是“创新”，从0到1的阶段，正是人类最应该介入的；三是“共情”，只有亲身经历才有真正的感同身受。邓澄说，“站台内拥挤如被困”这句歌词，正是因为自己真的去过三号线，去过体育西路，去过嘉禾望岗，才能写出。
音乐财经、小鹿角智库创始人董露茜从媒体观察者的角度指出，音乐产业人才培养面临的核心问题是市场和学校存在脱节。她观察到，当前音乐人才最稀缺的三种能力是，宣传能力、产业认知以及情商、智商、学习力、执行力等复合能力。
“当前音乐人画像有了变化。”腾讯音乐娱乐集团音乐人开放平台总经理李倞观察到，创作者身份已从单一的台前表演者，演变为可能同时是制作人、词曲作者或编曲人。借助AI工具，一个人就能独立完成词、曲、混、编、录等全流程工作。
但无论AI工具如何变迁，在她看来，都无法替代一个优质IP的力量与价值。
采写：南方+记者 王涵琦 徐子茗
摄影：南方+记者 姚志豪 梁钜聪 摄